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E agora… Os 10 melhores filmes eróticos de todos os tempos!

E agora… Os 10 melhores filmes eróticos de todos os tempos!

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É do interesse de qualquer aspirante a cineasta buscar a originalidade na narrativa, acima de tudo. O cinema é uma forma de arte em que nenhuma fórmula da história é verdadeiramente única. Portanto, cabe aos realizadores encontrarem maneiras novas e expressivas de contar histórias que, de outra forma, são tudo menos novas. Dito isto, que elemento pode dar origem a um enredo intrigante?

Sexo.

O sexo vende. O sexo é uma força motriz inegável para muitas facetas da arte e comunicação moderna, seja para promover uma agenda comercial ou para ganho pessoal. Não é por acaso que os melhores jogos de sexomelhores sites porno têm tanto sucesso. Mas pode o sexo diminuir o mérito artístico?

Os filmes nesta lista utilizam o recurso de enredo de sexo e erotismo para impulsionar as suas narrativas a outro nível. Sim, são filmes que podem ser defeituosos, como a maioria das críticas que ganham polarização apontou, mas, mesmo assim, os cineastas por detrás destas obras de arte ousaram.

Eles ousam trilhar a linha ténue entre arte e pornografia. Eles atrevem-se a vagar entre as duas pontas polarizadas. Eles atrevem-se a canalizar o que alguns podem considerar obscenidade e vulgaridade em emoção crua e visceral.

Sem mais delongas, estes são 10 grandes filmes de romance erótico.

 

Os 10 melhores filmes eróticos de todos os tempos

 

1 – The Piano Teacher

(A Professora de Piano)

A maioria dos filmes desta lista apresenta o elemento sexo como um enredo hiperbólico para representar a luxúria na personagem principal. Uma representação de luxúria que leva a uma infinidade de caracterizações interessantes. A professors de piano de Michael Haneke, por outro lado, interpreta-a como um forte elemento para revelar vulnerabilidade. Vulnerabilidade projetada em personagens que de outra forma não teriam.

Justapondo elementos da música clássica com domínio sexual, The Piano Teacher é uma experiência verdadeiramente subversiva. Quão importante é o amor para nós? Somos tão obstinados como realmente nos percebemos? Quando se trata de amor, não importa o quão grotesca a sua apresentação externa possa parecer: prepare-se para enfrentar o que pensamos que sabemos sobre o maior mistério da humanidade e para que esse conhecimento seja completamente destruído.

Michael Haneke é talvez um dos mestres do cinema moderno em compreender o público. Os seus filmes exemplificam uma representação de quem somos e como nos sentimos em qualquer ponto do tempo do filme. No caso de A Professora de Piano, Michael Haneke não usa os seus temas familiares para nos manipular. Ele usa sexo. Ele exagera a depravação da situação. Ele usa isso para nos enojar. Para nos enojar não do filme em si, mas da verdade.

A verdade de que o amor se baseia em coisas banais.

 

2 – The Handmaiden

(A Criada)

Em 2003, Park Chan-Wook quebrou as expectativas sobre o que o cinema sul-coreano contemporâneo era naquela época com o seu clássico cult Oldboy, um profundo conto trágico de vingança que desafia as restrições de género e narrativa. Em 2015, ele superou-se mais uma vez com uma história que é igualmente desafiante, se não mais emocionante, com uma abordagem infinitamente mais refinada para a produção de filmes.

The Handmaiden encanta o público desde o início com um ar de mistério avassalador. Um filme construído em torno da câmara hipnótica de Park Chan-Wook, que enquadra a totalidade desta experiência de quase 3 horas com virtuosismo suficiente para tornar até as cenas mais vis numa obra de arte.

Uma masterclass na perspectiva do personagem, The Handmaiden sabe exatamente quando jogar as suas cartas. Começa bem simples, antes que a narrativa saia do controle para revelar tantos personagens e enredo que definitivamente deixamos passar. Revela talvez um dos personagens mais complexos do cinema, construído em torno do mundo do sexo, subvertendo a nossa compreensão do que sabemos da sua personagem em quase todos os momentos importantes da história.

Há uma certa maravilha no cinema sul-coreano. A manipulação fácil do género pelo país, vagando entre a comédia e o suspense, entre a tragédia e a poesia, nunca foi tão evidente como em A Criada.

 

 3 – Eyes Wide Shut

(De Olhos Bem Fechados)

Um filme que dispensa apresentações, o canto do cisne de Stanley Kubrick mostra o próprio mestre abordando mais um género de cinema. Eyes Wide Shut oferece uma exploração profundamente perturbadora nos recessos de uma sociedade contemporânea construída pelo realizador.

O filme mostra como Kubrick gosta de se aventurar bem no reino do surreal. O sexo é usado como mercadoria neste mundo estranho. Um dispositivo explorado para representar os nossos demónios mais íntimos.

Embora não seja um horror no sentido explícito da palavra, De Olhos Bem Fechados dramatiza um horror muito mais profundo e identificável. Isso desafia o nosso controlo e compreensão desses demónios que escondemos, questiona o que sabemos sobre eles, glamouriza a sua própria presença. Então, ele pergunta-nos directamente: o que faríamos se esses demónios entrassem na nossa vida diária?

Ver duas das maiores estrelas contemporâneas de Hollywood a interpretar esta narrativa inerentemente Lynchiana não é apenas um deleite cinematográfico de se assistir, mas é irónico, sobretudo considerando o envolvimento de Tom Cruise com a Cientologia.

Embora o filme pinte um cenário hipotético, parece haver uma camada subjacente de verdade por detrás da narrativa. Um comentário social verdadeiro que des-familiariza o que assumimos ser a paisagem dócil da região metropolitana de Nova York nesta fossa sinistra onde os demónios sexuais prosperam e governam. E é preocupante notar as semelhanças que refletem a nossa sociedade moderna.

 

4 – In the Realm of the Senses

(O Império dos Sentidos)

Talvez no sentido mais verdadeiro do termo “cinema erótico“, a contribuição altamente controversa de Nagisa Oshima para o cinema japonês dos anos 70 usa a ideia de sexo não como um dispositivo central da trama como os outros filmes da lista. Na verdade, Oshima não usa o sexo como uma ferramenta para a narrativa. Sexo é a narrativa.

Uma escola de pensamento presente apenas na pornografia explícita, em oposição ao cinema real, In the Realm of the Senses realmente serve como um testamento para os limites infinitos da arte. Caracterização complexa, arcos de personagem intrigantes, belas imagens, todos esses elementos que constituem um filme decente estão todos presentes nesta obra-prima de sexploitation.

Com uma compreensão clara de como realmente enquadrar o sexo, seja por meio de performances fascinantes ou cinematografia assombrosa, Oshima realmente ultrapassou o limite de quão profundamente alguém pode explorar o erotismo antes que a arte se torne pornografia.

 

5 – Last Tango in Paris

(O Último Tango em Paris)

O que Bernardo Bertolucci e Marlon Brando fizeram durante a produção de Last Tango in Paris é certamente nada menos do que deplorável. Com isso dito, olhando para além da indesculpável camada de controvérsia em torno do filme, há uma certa magia por trás da sequência de eventos nesta peça clássica do cinema da contracultura.

 

Um conto melancólico que narra as vidas contrastantes de dois indivíduos distintos em dois momentos muito diferentes de suas vidas, Last Tango in Paris vê os seus dois protagonistas magistralmente escritos encontrar um terreno comum dentro do reino iluminado pelo pôr-do-sol do seu apartamento alugado. Um mundo proibido pela sua própria concepção, livre das próprias noções percebidas de cinismo e desencanto que eles erroneamente projetaram no seu mundo.

Embora seja certamente difícil olhar para as cenas de sexo sem sentir nojo de Bertolucci, O Último Tango em Paris é um filme longe de ser explorado. O sexo não apenas conta a história, ele não apenas impulsiona os personagens, ele confunde. Isso confunde não apenas a nós, o público, mas também o clima em constante mudança desses indivíduos melancólicos vagando pela representação atemporal de Bertolucci da cidade de Paris nos anos 70.

 

6 – The Dreamers

(Os Sonhadores)

É indiscutível que talvez um dos movimentos mais estilísticos e, por falta de palavra melhor, mais sexy do cinema seja a reverenciada New Wave francesa. A carta de amor de Bernardo Bertolucci de 2003 aos tempos longínquos pode ser um trabalho imperfeito e cheio de estilo, no entanto, mesmo que The Dreamers seja profundamente carente de profundidade, o seu fascínio mais do que compensa esse facto.

Tente relembrar as convenções atemporais da Nouvelle Vague. O uso pesado da subjetividade do personagem. Exuberância vibrante. Auto-reflexividade. Essas são as qualidades que aliciaram figuras como Godard e Anna Karina aos cânones da história do cinema.

Além de modernizar esses tropos clássicos, Bertolucci acrescenta algo surpreendentemente ausente da New Wave francesa. Ele adiciona sexo explícito e nudez. O apelo sexual agora transforma-se em algo muito mais gráfico e, até certo ponto, genuíno.

Embora The Dreamers não esteja nem perto da qualidade dos filmes lançados por nomes como Truffaut e Resnais, a produção cinematográfica ainda é perplexa. No mínimo, mesmo que não sirva como uma peça de cinema que valha a pena estudar, julgando o filme como uma carta de amor acima de tudo, uma carta de amor para talvez o período mais influente do cinema, The Dreamers é mais do que bem-sucedido.

 

7 – Y Tu Mama Tambien

(E a Tua Mãe Também)

Antes de seguir em frente para lidar com projetos de escala insanamente grande, os projetos nos quais ele construiu o seu nome, Alfonso Cuaron tentou algo muito mais real e prático. Y Tu Mama Tambien é certamente um distanciamento distinto do resto da sua obra artística.

Os setpieces no filme são os mais distantes de extravagantes, mas ao invés disso, servem como pequenas incubadoras para explorar dinâmicas de personagens complexas que giram em torno do traço de exuberância.

O filme não apenas pinta um retrato intrincado do estado da sociedade mexicana naquele momento, mas também não força qualquer ideologia política abertamente. Replicar a vibração absoluta da emoção juvenil de uma viagem foi o foco principal de Alfonso Cuaron. Da camaradagem que se pode ter com amigos íntimos à tensão sexualmente carregada quando estamos a interagir com o sexo oposto, Y Tu Mama Tambien resume tudo.

Embora seja um facto que a filmografia posterior do realizador mexicano vê a exploração de temas muito mais universais, e certamente desafia em grande medida a sua habilidade como diretor, Y Tu Mama Tambien sempre terá um lugar especial no seu corpo de trabalho, independentemente de como muito evoluiu ao longo dos anos. Pode não ser tão grande em escala quanto um filme como Children of Men, mas a força absoluta da visão crescente por detrás da câmara é sempre predominante e certamente inegável.

 

8 – 9 ½ Weeks

(Nove Semanas e Meia)

Chamado de “Cinquenta Tons de Cinza original”, Nove Semanas e Meia certamente ganhou quase a mesma quantidade de reações que o seu “sucessor espiritual”. Ele ganhou o seu quinhão de atenção pelos motivos errados no Razzies e foi inicialmente uma bomba de bilheteira antes do lançamento da versão sem cortes. Então, o que torna Nove Semanas e Meia algo além de “pornografia com enredo”?

Química. Um alto grau de química entre os dois protagonistas principais. Um factor extremamente forte que falta em peças terríveis de cinema erótico como Fifty Shades, filmes que preferem concentrar-se em explorar as fantasias contidas de uma dona de casa de meia-idade em vez de explorar algo mais real. Nove Semanas e Meia tem essa qualidade indescritível a seu favor. Não é perfeito na sua execução, mas Adrian Lyne certamente sabe como estruturar essa química para melhor representá-la na tela.

O filme certamente não trilha um novo terreno com a sua subversão da sociedade e do que sabemos sobre relacionamentos, mesmo que o recontextualize para o zeitgeist de meados dos anos 80. Com isso dito, num género de cinema em que os personagens parecem ser meras representações dos nossos demónios interiores, Nove Semanas e Meia apresenta mais do que apenas ideias representadas.

Apresenta pessoas.

 

9 – The Duke of Burgundy

(O Duque de Burgundy)

Um dos maiores elementos motrizes do cinema erótico é o conceito de domínio e escravidão sexual. A imagem de relacionamentos doentios representada por correntes, chicotes e gangues vem imediatamente à mente. Imagine isso, um filme que gira inteiramente em torno do BDSM, ambientado num cenário de sofisticação atemporal e vitoriano, que quase não apresenta nudez.

Bem-vindo ao Duque de Burgundy, de Peter Strickland. Uma narrativa que desafia a dinâmica de um relacionamento, por mais enviesado ​​que possa parecer externamente. Um relacionamento que é desafiado por noções relacionáveis ​​de diferença de idade, de desejo sexual. Strickland enquadra este retrato aparentemente universal do amor da maneira menos universal possível – introduzindo fortes elementos de escravidão homossexual.

Com este elemento adicionado, a dinâmica exterior simples do casal muda drasticamente na percepção do público. Costuma-se dizer que a chave para criar um grande personagem é testá-lo com o oposto daquilo com que se sente confortável. Strickland adota essa ideologia com grande efeito, criando um mundo surreal perpetuado pela repetição, pelo surrealismo e um grau subjacente de tensão, tudo para fortalecer uma narrativa que, sem esses elementos, seria esquecível e clichê. E funciona.

 

10 – Love

Para terminar a lista, o filme Love de Gaspar Noe de 2015 apresenta o tema titular apresentado no sentido mais corajoso da palavra. O realizador desejava explorar a dinâmica de um relacionamento alimentado por nada mais do que sexo, e o resultado? Um ataque vulgar aos sentidos repleto de mais auto-indulgência do que um estudante indie, e certamente parece e se sente assim. No entanto, o amor é tudo menos uma exploração pornográfica.

A apresentação do filme certamente deixa muito a desejar. As performances são fracas e as caracterizações muitas vezes parecem inacreditáveis. Mas não vamos esquecer como nos sentimos no final do filme. É uma montanha-russa de emoções impulsionada pelo louco que é Gaspar Noe.

A cronologia não significa nada, já que o filme empurra-nos para diferentes pontos do tempo na vida dos personagens. Aos poucos, passamos a importar-nos com esses personagens, olhamos para além das suas falhas, não apenas como pessoas, mas como dispositivos de uma trama mal realizada. Cenas de sexo gratuito lentamente desenvolvem significado. As cores ficam selvagens. Os cortes são dolorosos com um propósito forte.

Gaspar Noe quase nos faz esquecer que estamos a ver um filme sobre um homem preso num relacionamento sem amor e relembrando o seu passado, e nada mais.

 

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